這是一個跨界的時代。在這個時代中，很多藝術的品類界限越來越模糊，尤其像中國畫和油畫之間的界限。盡管人們心中依然有這種界限的存在，但中國畫和油畫之間的互為借鑒，卻在很多方面打破了界限的束縛，表現出現實的背景。

中國畫和油畫在20世紀初期確實涇渭分明，讓人一目了然。那時候，“油畫”被稱為“西畫”，明確標識它有著來自西方的血緣；而與之對應的本土繪畫稱之為“中國畫”，同樣也是一種文化上的標識，并形成了中西的對應關系，由此形成的論爭也有著超過百年的歷史。可是，在歷史的發展中，所謂“中西融合”成為一種潮流。尤其到了上世紀50年代以后，在新中國的時代要求中，人們既希望油畫民族化，也希望中國畫革新與發展。中國畫學習西畫的染天染水，也學習西畫的明暗、色彩的表現，其中對水彩畫一些表現方式和方法的吸收，讓人耳目一新。而在油畫領域，油畫民族化的具體指向導引了很多畫家去探尋一種不同于“蘇式”的民族風格，人們看到包括《開國大典》這類名作都有著明顯吸收當時新年畫的風格。而對民間繪畫色彩的吸收，也使油畫民族化有了具象的呈現。

然而，在這個發展過程中，雖有不同觀點的論爭，但在一件事上大家是統一的，就是保持畫種的純粹性。相比之下，作為外來畫種的油畫，吸收中國藝術的表現形式和方法似乎是情理之中，而中國畫在保持純粹性方面則具備更大難度。

中國畫具有悠久的歷史傳統，尤其元明清以來水墨畫形成主流化發展，讓人們看到山水、花鳥、人物都顯現出在世界文化多樣性中的獨特性。面對水墨畫在20世紀的發展，人們依然希望這樣一種獨特的藝術在發展中能保持其純粹面貌。實際上這是不可能的。藝術的發展不可能按照人們的意愿前行，因為時代的主導以及現實的要求等都有著重要的和不可抗逆的影響。

所以，在這樣一個發展過程中，加上“徐蔣體系”吸收西洋畫法的具體表現，形成融合中西的新水墨歷史潮流。而基于現代美術教育，人們也能夠看到以素描為基礎的這樣一種教育方式，不管光影還是結構，以及對于自然的表現方式，還是美學觀念等，都使中國畫發生了很大的變化，并成了主導美術創作的基礎，這正是顛覆界限的主力。新的教育方式培養出來的學生，他們的起始階段都按照老師的步履前行，如此以往，形成體系化的歷史給中國畫發展帶來現實中的問題。

等到了2024年的第十四屆全國美展，人們可以看到一個不爭的事實，就是在大型的美展中依然有一個明確的分界，這就是分類或者分展區，有了中國畫展區、油畫展區等等。顯然，為了某種大型展覽需要而維系這種界限的存在，好像還有必要，或者說是不得已而為之。因為像全國美展這樣的大型展覽，動員了全國的畫家參與，尤其是以年輕畫家為主的這樣一支創作隊伍，為爭取有限的入場券，很多人利用種種方式獲得評委的青睞，從而形成現實中這種趨同化的發展。這就是蔓延于全國美展的“展覽體”，而這種“展覽體”實際上又包含諸多內容。其中之一就是吸收油畫或者其他畫種的畫法，使得一些名為中國畫的畫在遠看時像油畫，包括獲得全國美展中國畫金獎的作品，不細看很難判斷它是中國畫；或者把它放在油畫展區去展出，人們也不會質疑它不是油畫。

面對越來越模糊的邊界，面對依然清晰的美術展覽中的分類，就形成人們在認知上的一種矛盾。從創作角度來看，很多畫家利用跨界的方式來獲得一種創新的表現，因為他如果依然講筆墨，使用傳統的方式，照固有規章法則來評判，他們可能很難有入選的機會。而吸收了油畫等其他畫種的畫法，包括人物的變形和色彩的處理，包括拼貼以及其他媒材的介入等，使得中國畫面貌形成多元表現，其中打破界限的努力也成了主要特征。由此，中國畫不僅僅是水墨或重彩。

油畫也如此。按照過去的認知，不管法國體系、俄羅斯體系或是日本的影響，在中國的發展總會找到一些對標的藝術評判準則。而以寫實主義為核心的中國油畫發展，注重對自然和人類生活的客觀再現，并形成一種新傳統。盡管現代油畫在西方逐漸發展出抽象和表現主義風格，其重視形式感和視覺沖擊力的現代方式，對當代中國油畫的發展也有一定的影響。中國特色卻以其特有的內在力量控制了這種影響力，同時在各種融合中表現出當代意義。今天把油畫畫成像中國畫的作品，無非多用一點黑顏色，或是畫得細一點，或是多用一些線條，或是做扁平化的處理，或是留有大片空白。實際上，對油畫界而言，油畫如何畫都無所謂，對整體都沒有影響，因為中國油畫沒有歷史和傳統的負擔，不像中國畫那樣有一種推卸不掉的傳承與發展的責任。

顯然，用中國畫的方式畫油畫，以及用油畫的方式畫中國畫，在一般性展覽中，人們可能不會在意這種界限問題，因為一般性展覽不會有分類的嚴格要求。所以，在這樣一種模糊邊界的中國畫和油畫的判斷中，實際上最核心的區別是材質：中國畫主要使用宣紙或絹為基礎材料，以毛筆為工具，運用水墨、礦物質顏料或植物顏料進行創作；材料的特性決定了中國畫注重筆墨的表現力和滲化效果。而油畫以油畫布、木板等為載體，用油彩作畫。油彩具有較強覆蓋性、層次性和色彩飽和度，使油畫能表現出光影效果和空間感。在具體表現中，中國畫強調“線”的運用，講求用筆的力度、節奏和韻味。油畫以寫實技法為基礎，強調光影變化、空間透視和質感表現。如此等等，發生在每一位畫家身上，其千差萬別形成不同風格和特色，其中的吸收和融合是最為常見也是最順手的一種方式。

就藝術的發展而言，今天看畫是中國畫還是油畫，可能并不重要，重要的是，是不是一幅好畫。在日常審視中，一幅畫能給予人們多方面感受，是不是在同類別作品中表現出不同一般，在審美上是否有著獨特的藝術效果，而并不在乎它的類別和形態。如今，面對一個矛盾的藝術社會，展覽中有嚴格的中國畫、油畫的分類，而現實中對于畫家來說，油畫和國畫的類別界限并不是很重要。國畫家可以去畫油畫，油畫家也可以去國畫，如劉海粟、徐悲鴻、林風眠、吳冠中等。他們的畫只是材料的不同而已，美學趣味則大致相同，像是徐悲鴻既有油畫版、也有中國畫版《愚公移山》。然而，為了展覽的意義去追求不同于同類的藝術表現，用跨界方式來模糊邊界，使得另出新意，從而獲得不同一般的藝術效果，相信這也是可以理解的一種自我選擇。但不管如何，在時代的發展中，我們很難像過去那樣去恪守一個邊界。然而，既然是分類，那一定有邊界?？晌覀兊姆诸愓咄⒉蝗フ疹欉@種界限的現實問題以及矛盾的內在邏輯，而理論意義上的界限和實際存在的界限之間有差距、有不同，這就有了人們對界限的一些基本判斷。無疑，人們是恪守藝術的真諦，還是恪守界限的原則，有一個選擇問題。在今天，顯然不會有人再去堅守那種界碑的存在，而多數人在尋求藝術自由時把界限拋卻。

藝術在自由的表達中，不管是用什么材質，用什么方式，用什么語言，去表現自我的感覺或是表現特定的題材內容，人們面對的實際上只有最后一道關口，這就是展覽或博物館、美術館中的展品標簽。因為現在除了展覽有這樣一種分類的要求之外，在其他場所這種界限似乎已沒有意義。顯然，在藝術的發展過程中，跨界、融合已成為時代主流。人們有很多方式，包括藝術與科學的結合，不同材料之間的裝置、拼貼等等，人們很難把那種拼貼如安迪·沃霍那樣的作品劃歸于中國畫或油畫之中。所以，人們不禁要問——這種界限的意義在哪里？雖然界限具有學術和研究意義，它為藝術理論提供了框架，便于討論中國畫與油畫的歷史、技法和審美的差異。可是，在界限變得越來越模糊的現實的創作中，它不應成為藝術家和藝術發展的一種束縛，只能作為一種參考，為藝術家提供多元選擇與靈感來源。

（作者為中國文藝評論家協會造型藝術委員會主任）